Diez mandamientos de la realización de

03/26/2016 by admin

Diez mandamientos de la realización de

Richard Strauss fue un importante Compositor de finales del 19 y principios del XX, producir sinfonías, concertos, óperas y poemas de tono como "Also Sprach Zarathustra." Además de ser un compositor prolífico, él era también un consumado conductor. Un protegido de Hans von Bulow en su juventud, Strauss se encendió para servir como director musical en la orquesta de la corte de Weimar y más tarde, la ópera estatal de Viena. A partir de su larga y variada carrera, escribió "10 oro reglas para el álbum de un joven Conductor," conocido popularmente como "Los 10 mandamientos de dirección".

Recuerde que usted está haciendo música no para divertir a sí mismo, sino para deleitar a su público.

Strauss no era para robar al conductor de placer, pero, en términos pragmáticos, para recordarle al consumidor final. El conductor es el punto focal de la orquesta, una posición que puede generar narcisismo. Humildad le sirve bien. Maestro contemporáneo Alan Gilbert destaca que sus decisiones como director de orquesta se basan en la música y la orquesta, "en lugar de alguna gratificación personal."

No debe transpirar cuando están llevando a cabo; sólo la audiencia debe calentarse.

Strauss no ve un conductor como un tambor mayor, sino como un facilitador. Sutilmente manteniendo el tempo y la dinámica, localización sólo cuando es necesario y suavemente, haciendo hincapié en frases musicales son unos roles asignados en este minimalista enfoque desalentó movimientos salvajes. Un panel Comisionado por la Liga de orquestas americanas en 1997 declaró que la gestualidad del Director debe afirmar a los músicos. Como indican las normas siguientes, Strauss creyó lo contrario.

Llevar a cabo Salomé y Elektra como si fueran Mendelssohn; música de hadas.

El toque de luz es una característica distintiva de la filosofía conduce de Strauss, si no de sus composiciones. Desde su punto de vista como autor musical, Strauss entiende el poder de sus propias óperas como escrito y era reacio a tener un conductor añadir más fuerza que ninguno es necesario.

Nunca mire el latón es alentador; excepto con un vistazo rápido por una bajada importante.

Un jugador del trombone puede ser insultado por esta máxima, pero encaja con comprensión de Strauss de equilibrio. El latón puede abrumar fácilmente cada otra sección sin darse cuenta. Una sección de cobre amarillo hiperactiva es impresionante a la audiencia tal vez, pero perjudicial para el sonido general de una orquesta sinfónica. Reconociendo el enorme potencial de los jugadores de cobre amarillo para el volumen, Strauss intentó aprovechar su poder con moderación.

Por el contrario, nunca deje que los cuernos y el viento fuera de su vista; Si oír a todos ya son demasiado fuertes.

Mientras que carece de la proyección de una sección con personal de servicio, los instrumentos de viento son también una fuerza para ser suprimida, según Richard Strauss. En este caso, sin embargo, él creyó amortiguando su sonido llamado de intimidación visual activo. Se trata de una interesante visión de la psicología de los músicos que trabajaron con él; los jugadores de cobre amarillo vinieron a interpretar a la mirada del director como afirmación Considerando que los instrumentos de viento la vio como castigo.

Si crees que el latón no es lo suficientemente fuerte, tono por dos puntos más.

¿Richard Strauss odio latón? Si sus partituras son cualquier indicación, la respuesta sería no. Partiendo de una comprensión sofisticada de la acústica y empatía para el oyente como lo demuestra la primera regla, Strauss entiende que lo que pasa por un volumen limitado en el escenario puede transformar a desagradable fragor cuando llegue a la audiencia.

No es suficiente a sí mismo para oír cada palabra de la cantante - que sabes de memoria todos modos; el público también debe ser capaz de seguir sin esfuerzo. Si no entienden lo que está sucediendo, ellos duermen.

Otra vez, preocupación de Strauss es con el Asistente de la ópera en la fila de atrás. Del mismo modo un agente de la etapa debe usar maquillaje pesado por sus rasgos faciales discernir desde la distancia, así que también debe una cantante exagerar dicción para percibirse correctamente. El conductor debe manejar el equilibrio en las partituras vocales como instrumentales.

Siempre acompañan a la cantante con el fin de permitirle cantar sin esfuerzo.

El tema común de equilibrio es otra vez evidente en este mandamiento. Un cantante que tiene que gritar comprometer calidad vocal y sacrificar la expresión lírica de la sonoridad. Esto explica por qué tantos de exhortaciones de Strauss a instrumentistas sonido tan represivos.

Cuando piensas en que llegar a los límites de prestissimo, doble el ritmo.

Una pieza no podía moverse demasiado rápido para Richard Strauss. Prestissimo más rápido de tempos; sin embargo, Strauss sintió vacilación por parte de los jóvenes conductores para acelerar la orquesta adecuadamente a lo largo. Así tenemos una directiva bien intencionada pero draconiana que suena a los jugadores y si es necesario, el conductor más allá de sus zonas de comodidad.

Si sigues estas reglas cuidadosamente, usted, con sus regalos finos y sus grandes logros, siempre será la niña mimada de sus oyentes.

Él termina su lista como empezó, con oyentes en mente. La audiencia, a Strauss, es un cliente importante. El cliente es lo primero, independientemente de cualquier ego artístico o sentimientos heridos de la sinfonía. Richard Strauss quería su audiencia a recordar sus actuaciones con placer e insistió en que sus jugadores se subordinan a este objetivo.

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